Proyecto

Mi proyecto consta en poder documentar fotográficamente el proceso de generación de energía en la planta de luz "El Sauz" ubicada en el Estado de Querétaro.

Galería

Galería

Análisis de la imagen fotográfica.

 At the time of Louisville Flood (1937)

Margaret Bourke-White

1. Descripción general:
La imagen cuenta con un formato horizontal, en blanco y negro. En esta fotografía podemos observar las filas que hacían las personas durante la gran depresión para conseguir comida.

2. Composición:
La imagen presenta un encuadre compuesto ya que tiene un marco dentro del marco. Podemos observar que es una toma a nivel de la gente, ya que no la enaltece ni la hace ver inferior. Es un plano general pues podemos observar todo el cuerpo de las personas que componen esta fotografía.

3. Gestalt:
figura-fondo: En la imagen somos capaces de distinguir a las personas del espectacular, que aunque este también sea parte importante de la fotografía, el contraste entre ambos elementos es notable y ayuda a transmitir el mensaje deseado.
 la ley de proximidad: la imagen la presenta ya que nos es más fácil considerar a la gente como un grupo de personas en una fila que 17 personas.
dirección o continuidad: ya que la fotografía nos hace pensar que la fila sigue tanto para delante como para atrás.
destino común: La gente sigue una misma dirección
ley de cierre: Esta la podemos encontrar en las personas ya que entre ellas mismas tapan algunas de sus extremidades y parte de su cuerpo, así mismo las personas obstruyen la visibilidad del espectacular.
pregnancia: En el espectacular podemos encontrar un alto grado de pregnancia ya que podemos establecer claramente que es un rectángulo, por otro lado, las personas tienen un grado de prestancia bajo.

4. Luz
La fotografía esta compuesta por una luz suave natural que parece ser cenital.

5. Mensaje de la imagen
Lo interesante de esta foto es el impacto que causa el contraste que generan las personas con el espectacular que está a sus espaldas, ya que este refleja "El ideal de vida americana", pero la realidad en esos momentos no era nada parecido. Otro contraste que podemos observar es el de diferentes tipos de razas entre los que protagonizan el espectacular y quienes están formados.

Miguel Torena

Miguel Torena 

Miguel Torena es un fotógrafo de modas, estudió en Nottingham "Arts in Fashion Photography". 

Es un artista muy comprometido y dedicado a su trabajo. Ha tenido la oportunidad de ayudar a otros fotógrafos y es así como ha ganado una perspectiva más amplia y profesional acerca de la industria de la moda.

Ha fotografiado a nuevos y emergentes diseñadores, siendo sus fotografías un éxito. Sin duda alguna el potencial creativo de Miguel Torena sigue dando de que hablar, ya que su trabajo tiene una carga emocional muy compleja y su representación es muy original.

Su obra más nombra es la de "La tabla Periódica" en la cuál a través de fotos de moda ilustra de manera muy creativa algunos de los elementos de la tabla periódica. Así mismo tiene otros trabajos como son Body, The Zodiacs, Synesthesia, etc.

Ha colaborado con su excelente fotografía en sitios web y revistas emergentes como es "Platform Magazine" dedicadas exclusivamente a la moda, siendo sus fotografías de gran calidad y éxito.

Tuvo una exposición de su trabajo en Brooklyn New York y en "The Steps" en Nottingham. En esta última la exposición contó de 10 fotografías  y 10 sonidos  que mostraban de manera subjetiva la relación que tienen las personas con los colores.

Actualmente reside en Nottingham donde tiene su propio estudio fotográfico y también da clases de Posgrado en la Universidad donde se formó.

La esencia de las fotografías de Torena es la moda y el que siempre esté experimentando nuevas formas para expresarse.

No pude encontrar el precio de las fotografías de Miguel Torena en su página personal, por lo que decidí mandarle un mail para poder obtener esta información pero no he recibido respuesta alguna.

James Nachtwey

Al ver el documental del fotografo James Nachtwey pude ver lo interesante que es su trabajo ya que de verdad el se mete a lugares que para muchos de nosotros no están a nuestro alcance. Al ser el un fotógrafo de guerra no sólo nos crea con su trabajo una consciencia acerca de lo que pasa en el mundo, si no que también ayuda a todas aquellas personas que se encuentran viviendo en el lugar de la guerra a ser tomadas en cuenta y a ser escuchadas. Hubo un frase que me gustó mucho del documental que era "Si tus fotos no son suficientemente buenas, es por que no estas suficiente mente cerca" creo que esta foto resume a grandes rasgos el trabajo de Nacthwey, ya que son pocos los que se aventuran a realizar este tipo de fotografía, pero las situaciones que capturan son muy buenas por eso mismo, por que ellos están ahí, viviendo el momento, por lo que creo que a sus fotografías también le imprimen los sentimientos y pensamientos del fotógrafo, ya que no ha de ser nada fácil estar ahí viendo todo lo que sucede. En mi opinión no creo que Nachtwey se aproveche del dolor de los demás, si no que como había mencionado, a través de su trabajo le da voz a todos esos civiles que se encuentran dentro de la guerra, que a diferencia de otros fotógrafos "amarillistas" sólo buscan a través del dolor ajeno vender. El trabajo de Nachtwey me parece muy interesante y sin duda arriesgado, tanto al momento de captar las imágenes, como creo también ha de ser difícil la mentalización que debe tener para tener el coraje de meterse a esos sitios. Creo que sería muy interesante oír todas las historias que tiene que contar este tremendo personaje, acerca de sus viajes.

Desposorios de la virgen

Título: Desposorios de la Virgen

Año: 1504 (Renacimiento, Quattrocento)

Autor: Rafael Sanzio

Ubicación: Pinoteca de Brera, Milán, Italia

Material: Óleo sobre tabla.

Esta pintura también representa la transición del Prerenacimiento al Alto Renacimiento, fue encargada por la familia Albizzini y las dos principales fuentes de inspiración para este cuadro fueron la de "Cristo entregando a San Pedro las llaves" y "El matrimonio de la Virgen", ambas de Pietro Perugino, maestro de Rafael.

La pintura incluye una serie de detalles que ponen en evidencia la trascendencia de Rafael hacia otra generación de pintores, por ejemplo esta obra incluye figuras en primer plano y un edificio centralizado. La perspectiva que utiliza esta inspirada en los cuadros de Piero della Francesa, y se puede apreciar mejor gracias a las losas del pavimento que subrayan la perspectiva que se encuentra en el edificio del centro. A pesar de estar inspirada en obras de su maestro, la diferencia más notable entre estos es que en la obra de Rafael podemos encontrar que la composición es circular, hay espacios más abiertos y el dominio de la perspectiva es pleno.

En esta pintura podemos observar En el centro el sacerdote y a ambos lados María y José , acompañados –respectivamente-de las Vírgenes de Israel y los pretendientes rehusados. Al fondo el templo, lo que Rafael quiere representar como el Templo de Jerusalén y lo hace de planta poligonal (centralizada), casi circular, pues presenta 16 lados, y rodeado por un pórtico de columnas mezcla de orden dórico romano y pequeñas volutas jónicas, sobre el que se eleva el cuerpo del edificio, cubierto con una cúpula esférica. Pero el edificio, además de símbolo, es también objeto plástico, puesto que actúa de punto clave de la composición espacial, que como antes se ha dicho, está formada por figuras en primer plano y vasto espacio en perspectiva

Otra curiosidad está en los pies de Sán José. En su pie izquierdo pueden contarse 6 dedos. No porque realmente los tuviese sino porque la tradición asociaba a esta anomalía la capacidad para un sexto sentido y una capacidad para interpretar sueños proféticos. Rafael pintaría posteriormente seis dedos en la mano derecha del Papa Sixo IV en la obra "La Madonna de San Sixto (1516)"


Insipirada en la perspectiva utilizada por Rafael, realicé una obra de perspectiva lineal que simula un salón de clases.

Fuente:

http://enciclopedia.us.es/index.php/Los_desposorios_de_la_Virgen_(1504)

The Ninth Floor By Jessica Dimmock

Del proyecto de Jessica Dimmock, lo que más me gustó de sus fotos fue como manejaba las proporciones de su formato, cuadrado, en su mayoría, también me gustó mucho como maneja la angulación de los encuadres (picada) para darle énfasis a ciertas imágenes, aunque me hubiera gustado que hubiera habido más tomas a nivel del piso para poder haber visto un poco más a detalle en contexto en el que se encontraban estas personas. Creo que algo que también es muy determinante en el impacto de sus fotos es el campo que maneja, como son el  primer plano, plano medio y plano general, plano a detalle, así como también el color sombrío y la textura que maneja nos ayuda mucho a adentrarnos a la situación que estas personas viven. A mí parecer también logra aplicar la ley de tercios en las situaciones que así lo requerían, a través de esto creo que logró crear el impacto que quería sobre el espectador. El juego de luces y sombras que maneja también ayuda al énfasis de la situación y contexto de estas personas.